La luce che sorge ogni mattina.. guida all'ascolto de "il barbiere di Siviglia"

LA LUCE CHE SORGE OGNI MATTINA

Breve introduzione all’opera “Il barbiere di Siviglia” di Gioachino Rossini,

primo allestimento nel Cartellone della 46° Stagione Lirica Tradizionale

del Teatro Politeama Greco di Lecce.

di Fernando Greco

“Il barbiere di Siviglia” rappresenta il capolavoro assoluto di un compositore “più avvezzo alla commedia che alla tragedia”, come lo stesso Rossini amava definirsi, e conserva intatta la sua freschezza a quasi due secoli dalla sua creazione. Per dirla con Ildebrando Pizzetti, “… è come la luce che sorge ogni mattina, e che non è oggi quella di ieri, ma non è un’altra: ogni volta quest’opera ci riempie il cuore di letizia e di gioia”. Dal tessuto musicale all’evolversi delle situazioni, tutto nell’opera si incastona come in un perfetto meccanismo a orologeria che scandisce il ritmo di una comicità sempre incalzante, senza attimi di cedimento o di stagnazione.

UNA PIèCE RIVOLUZIONARIA

Ad appena ventitre anni, età in cui si accinge alla stesura del suo “Barbiere”, Gioachino Rossini (1792 – 1868) è già da qualche tempo un compositore di fama nazionale. Nel 1812 ha debuttato alla Scala di Milano con il dramma buffo “La pietra del paragone”, il cui clamoroso successo ha permesso al giovane compositore di essere esonerato dal servizio militare, mentre il 1813 ha segnato il trionfo del “Tancredi” al teatro La Fenice di Venezia. Dopo la strepitosa accoglienza dell’opera “Elisabetta regina d’Inghilterra” da parte dell’esigente pubblico napoletano (protagonista la divina Isabella Colbran), il Pesarese si trasferisce a Roma dove nel dicembre 1815 l’opera “Torvaldo e Dorliska” riscuote un tiepido successo. L’opportunità del riscatto sembra presentarsi quando il duca Francesco Sforza Cesarini, ovvero il più celebre impresario teatrale della Città Eterna, commissiona all’autore un’opera lirica per la nuova Stagione di Carnevale del teatro Argentina: nonostante manchino solo due mesi al debutto, Rossini accetta senza riserve e si tuffa nel lavoro con febbrile entusiasmo, scegliendo personalmente il soggetto della nuova partitura. Si tratta della celebre e rivoluzionaria pièce teatrale di Beaumarchais dal titolo “La Précaution Inutile ou Le Barbier de Séville” (antecedente dal punto di vista narrativo rispetto a “Le mariage de Figaro” da cui Mozart aveva tratto l’omonimo melodramma), già messa in musica almeno tre volte nella seconda metà del ‘700, periodo di massimo splendore dell’Opera Buffa di scuola napoletana, di cui il tarantino Giovanni Paisiello (1740 – 1816) rappresenta l’esponente di maggior spicco.

IL FIASCO CLAMOROSO

“Il Barbiere di Siviglia” composto da Paisiello nel 1782 alla corte dell’imperatrice Caterina II di Russia continuava a mietere entusiasti consensi in tutta Europa quando “Il Barbiere” rossiniano debuttò a Roma il 20 febbraio 1816. Né la partecipazione del più famoso basso buffo in circolazione, ovvero Luigi Zamboni nel ruolo di Figaro, né quella del tenore Manuel Garcia (padre del mitico soprano Maria Malibran), sivigliano doc, nel ruolo di Almaviva, furono sufficienti a evitare un clamoroso fiasco, innescato e rinfocolato durante lo svolgimento dell’opera, dall’ostilità dei numerosi sostenitori di Paisiello offesi dal fatto che un giovane come Rossini osasse confrontarsi con un mostro sacro di tale portata. Non servì a nulla nemmeno la modifica del titolo, che da “Il Barbiere di Siviglia” era stato cambiato a bella posta in “Almaviva, o sia L’inutile precauzione”. 

“IO MI ERO DISPOSTA A TUTTO”

Il mezzosoprano Geltrude Righetti - Giorgi, protagonista della prima nel ruolo di Rosina nonché coetanea e fervida ammiratrice di Rossini, redasse una preziosa cronaca di quell’infelice serata: “ […] Il

tenore Garcia, dopo aver accordata la chitarra sulla scena, locchè eccitò le risa degli indiscreti, cantò con poco spirito le sue cavatine, che vennero accolte con disprezzo. Io mi ero disposta a tutto. Salii trepidante la scala che dovevami portare sul balcone per dire queste due parole: “Segui, o caro, deh segui così!”. Avvezzi i romani a colmarmi di plauso, si aspettavano che io li meritassi con una cavatina piacevole e amorosa. Quando intesero quelle poche parole, proruppero in fischi e schiamazzi. Dopo, accadde ciò che doveva necessariamente accadere: la cavatina di Figaro sebbene cantata maestrevolmente da Zamboni, e il bellissimo duetto fra Figaro e Almaviva, cantato pure da Zamboni e da Garcia, non furono neppure ascoltati. Finalmente io comparvi sulla scena, non più alla finestra, ripresi coraggio e come io cantassi la cavatina della “Vipera” lo dicano i romani stessi e lo dirà Rossini. Essi mi onorarono con tre consecutivi plausi generali, e Rossini alzossi pure una volta per ringraziarli. Egli che stimava moltissimo la mia voce, a me si volse dal cembalo e mi disse scherzando: “Ah natura!”. “Ringraziala – gli risposi io sorridendo – che senza il suo favore, a questo punto tu non ti levavi dal seggio!”. Si credette allora risorta l’opera; ma non fu così. Si cantò fra me e Zamboni il bel duetto di Rosina e di Figaro, e l’invidia fatta più rabbiosa sviluppò tutte le sue arti. Fischiate da ogni parte. […] Non si possono descrivere le contumelie cui andò soggetto Rossini, che se ne stava impavido al suo cembalo e pareva dicesse: “Perdona, o Apollo, a questi signori che non sanno ciò che facciano”. Eseguito l’atto primo, Rossini avvisò di far plauso con le mani, non alla sua opera, come fu creduto comunemente, ma agli attori, che, a vero dire, avevano procurato di fare il loro dovere. Molti se ne offesero. Ciò basti a dare un’idea del successo dell’atto secondo. Rossini si partì dal teatro come se vi fosse stato qualche spettatore indifferente. Piena l’anima di questa vicenda, mi portai alla sua casa per confortarlo: ma egli non aveva bisogno delle mie consolazioni, dormivasi tranquillamente […]”.

Già durante le successive repliche del “Barbiere”, i romani avrebbero compreso e apprezzato le grandi innovazioni stilistiche apportate da Rossini alle convenzioni dell’Opera Buffa, quella geniale ventata di freschezza che il pubblico di tutto il mondo avrebbe amato viepiù lungo il corso dei secoli successivi decretando l’indiscusso predominio del capolavoro rossiniano rispetto al pur illustre precedente paisielliano.

IL MODERNO SELF-MADE MAN

In accordo con Alberto Zedda, massimo esperto di filologia rossiniana, si può affermare che il personaggio di Figaro recuperi dalla penna di Rossini l’originario piglio illuminista e rivoluzionario del testo di Beaumarchais (1775): l’intraprendente barbiere rappresenta di fatto il moderno self-made man, il borghese che “trova occasioni per maturare e realizzare progetti ambiziosi” grazie alla sua intelligenza e alla sua cultura. Cultura sì, perché Beaumarchais ci fa sapere che Figaro ha sfortunati trascorsi di letterato e commediografo (si comprende così, nel primo recitativo tra Almaviva e Figaro, la battuta di quest’ultimo: “La miseria, signore!”). Sempre secondo Zedda “L’intraprendente giovanotto scorda presto la frustrazione e si afferma protagonista: mediatore di sponsali, consolatore di fanciulle e vedovelle, barbiere, parrucchier, chirurgo, botanico, spezial, veterinario … Nella celebre cavatina di sortita (un uragano di facelle ritmiche e vocali che deve aver sconvolto lo spettatore della prima abituato alla grazia sentimentale di Paisiello), Figaro esalta l’ingegnosità e lo spirito d’iniziativa che l’hanno elevato a una posizione sociale sconosciuta alla sua classe”, posizione che gli permette di essere rispettoso, ma mai servile nei confronti dei nobili. Il contrasto tra vecchio e nuovo si appalesa nel confronto con il personaggio di Don Basilio, ovvero lo stereotipo dell’intrigante di vecchio stile, quasi una maschera della Commedia dell’Arte, a cui Rossini riserva la celeberrima aria della Calunnia destinandogli non a caso la “vetusta” corda del basso buffo, mentre per Figaro crea la “nuovissima” corda del baritono brillante, timbro che da ora in poi caratterizzerà la nuova drammaturgia musicale. Il nucleo squisitamente comico della vicenda risiede nel personaggio del Dottor Bartolo, vecchio pedante, “avaro e brontolone” davanti al quale tutti fanno buon viso e cattivo gioco, compresi i suoi servi, e in fondo questo è il motivo per cui tutti provano per lui anche un senso di tenerezza, se non addirittura un frustrato sentimento amoroso, come lascia intendere la cameriera Berta nella deliziosa aria di sorbetto “Il vecchiotto cerca moglie”. Alla fine, egli sarà costretto a cedere il passo ai giovani soggiacendo di buon grado all’evidenza di essere stato gabbato (“Insomma io ho tutti i torti!”). Mutatis mutandis, si tratta della stessa morale che Donizetti, aggiungendovi un sentimento di nostalgia tutto romantico, avrebbe espresso trent’anni dopo nel “Don Pasquale”.

IL PRAGMATISMO DI ROSINA

Con il personaggio di Rosina prosegue la scia di quelle donne al contempo tenere e volitive, succubi ma dal carattere forte e determinato, protagoniste del genere giocoso fin dai suoi esordi, a partire da Serpina, ne “La Serva Padrona” di Pergolesi (1733), per giungere a Susanna ne “Le nozze di Figaro” di Mozart (1786); eppure, anche nei riguardi di Rosina il Pesarese crea un personaggio più moderno. Ci soccorre ancora una volta l’illuminante pensiero di Alberto Zedda: “Rosina è lontana dalla manierata svenevolezza di tante innamorate dell’opera buffa e non sorprende che la sincerità di sentimenti e atteggiamenti lontani dal conformismo convincano il Conte Almaviva a trasformare l’ennesima avventura in un vero incontro d’amore”. In altre parole, la furba ragazza esibisce un pragmatismo del tutto nuovo rispetto alle sdolcinatezze delle sue antenate: davanti all’anonima serenata ella mette subito le mani avanti, chiedendo per prima cosa al corteggiatore di riferirle le sue generalità e le sue intenzioni. Per questo motivo, caso unico nella storia dell’opera, il tenore inizia cantando ben due romanze consecutivamente (la galante serenata “Ecco ridente in cielo” e la più personalizzata “Se il mio nome saper voi bramate”) e finirà, lui Grande di Spagna, con lo sposare una borghese, altro fatto decisamente rivoluzionario per i costumi dell’epoca. Né va dimenticato che in origine Almaviva è il title-role dell’opera, e perciò Rossini scrive per questo personaggio un magnifico rondò finale, “Cessa di più resistere”, massimamente virtuosistico e mai scomparso dalla partitura seppur evitato spesso e volentieri. Nell’ultimo ventennio una prassi esecutiva più rigorosa ha favorito la ricomparsa di questa pagina che l’autore, in occasione della successiva “Cenerentola” (1817), trascrisse per la corda contraltile della stessa Geltrude Righetti - Giorgi che era stata la Rosina del debutto.

AL CALAR DEL SIPARIO

Il lieto fine dell’opera viene ottenuto facendo ricorso alla scena dell’agnizione o della “sbottonatura”, secondo l’antico gergo teatrale: creduto un impostore, Almaviva si toglie il mantello per rivelare a Rosina la sua vera identità che è quella di un nobile, un Grande di Spagna. Ancora una volta l’autore si serve di cristallizzate convenzioni per farle implodere attraverso profondi cambiamenti di stile che di fatto determinano la fine della grande stagione dell’Opera Buffa, una fine che però Rossini sceglie di celebrare con i fuochi d’artificio. Figaro, spegnendo la lanterna al termine del “Barbiere”, di fatto la spegne sugli ultimi bagliori di un Settecento ormai definitivamente concluso. Per dirla con Bruno Cagli, presidente dell’Accademia di Santa Cecilia, “Alla fine dell’intrigo, Figaro se la caverà con un generico auspicio: - Di sì felice innesto serbiam memoria eterna! - Ma subito aggiungerà: - Io smorzo la lanterna, qui più non ho che far! –. Cosicché, a rigor di logica scenica e teatrale, gli altri dovrebbero restare al buio per cantare il loro – Amore e fede eterna - . E non è una logica che poteva essere casuale sotto la penna di un attardato e deluso figlio dell’Illuminismo come in cuor suo era il Pesarese. Il sipario in realtà calava non sull’eternità dell’amore e della fede, come suggerivano le augurali parole, ma su tutto un mondo di cui l’opera buffa era stata interprete e che non avrebbe mai più potuto trovare quella felicità e quella concordia che per l’ultima volta, pur con la piena consapevolezza delle ombre che si addensavano, il capolavoro di Rossini aveva inverato”.

Sulle note della tradizione... l'intervista al M° Carlo Antonio De Lucia

Si aprirà il 27 febbraio alle ore 20:45 il pesante e sofferto sipario della 46a Stagione Lirica leccese presso il  Teatro di Tradizione Politeama Greco. Una scommessa vinta grazie all’impegno di coloro che hanno voluto a tutti i costi mantenere viva nella bella città barocca la tradizione del BEL CANTO.  

Un impegno non indifferente che vede in prima linea il Presidente della Provincia Antonio Gabellone, il Sindaco Paolo Perrone, la consigliera provinciale Simona Manca, i proprietari del teatro Politeama Greco rappresentati nella conferenza stampa del 31 gennaio al foyer del teatro Sonia Greco e dal neo Direttore artistico Carlo Antonio De Lucia.  

Il cartellone messo a punto proprio dal direttore artistico Carlo Antonio De Lucia prevede tre opere di alto richiamo popolare come Il Barbiere di Siviglia, Nabucco e Madama Butterly consentendo ai palati più disparati di gustare l’opera lirica dal 1816 (data della prima rappresentazione del Barbiere di Rossini) al 1904 (prima rappresentazione di Madama Butterfly) con gli acclamatissimi Verdi e Puccini.

Il cartellone della 46a stagione lirica leccese prevede:

27 febbraio, 1 marzo IL BARBIERE DI SIVIGLIA opera in 2 atti, libretto di Cesare Sterbini, musica di Gioacchino Rossini, Regia Bruno Praticò, M° direttore e concertatore Alberto Veronesi

20,21,22 marzo NABUCCO opera in 4 atti, libretto Temistocle Solera, musica Giuseppe Verdi, Regia Carlo Antonio De Lucia, M° direttore e concertatore Francesco Ledda

25, 26 aprile MADAMA BUTTERFLY opera in 3 atti, libretto di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica, musica di Giacomo Puccini, regia di Hiroki Ihara, M° direttore e concertatore Daniele Agiman

Ospite di Radio Classica Pugliese di oggi è il M° Carlo Antonio De Lucia: laureato in giurisprudenza a Milano, Docente internazionale di canto lirico, Direttore Artistico di importanti Festival italiani, Direttore di produzione dal 2011 al 2014 della stagione lirica di Lecce, Regista d’opera di oltre 20 titoli, Produttore d’opera per importanti Teatri nazionali ed internazionali, Produttore per 4 anni di stagioni di balletto classico e cantante lirico (tenore).

Un saluto al graditissimo ospite, il M° Carlo Antonio De Lucia direttore artistico della 46a edizione della stagione lirica leccese.

• Molti leccesi non speravano più in questa felice sorpresa ovvero quella di rivedere l’opera lirica a Lecce; difatti a causa di varie vicissitudini politico-ammistrative era sulla bocca di tutti una semplice ma profonda e triste esclamazione “peccato!” che racchiudeva per molti melomani ma anche semplicemente per molti appassionati del mondo della musica classica la triste constatazione di un circuito classico-operistico ormai chiuso: dall’orchestra  Fondazione ICO Tito Schipa alla Stagione lirica.... e invece .. invece ce l’avete fatta.... come è stato convivere e lottare contro ad un clima così avverso?

RISP. Il salvataggio della Stagione Lirica è stata una priorità mia ma anche di tutte le persone che mi hanno sostenuto, in primis il Presidente Gabellone, la consigliera Manca; tutti noi abbiamo voluto fortissimamente che la stagione non si sperdesse e non si perdesse la titolarità della tradizione perchè il concetto fondamentale che ci ha mosso è intanto che la stagione è un patrimonio della città di Lecce e dei suoi cittadini e nello stesso tempo, simmetricamente Lecce è un patrimonio dell'Italia e l'Italia è del mondo. Perdere la stagione non significava soltanto cancellare un qualche cosa di localistico un avvenimento che reverberava solo in un territorio limitato, ma vista l'importanza della nostra stagione significava eliminare un evento che ha un'importanza mondiale perchè non solo Lecce è la città di Tito Schipa e di Cloe Elmo e tanti altri grandi cantanti, ma una tradizione che aldilà del dopoguerra delle 46 stagioni che abbiamo organizzato, affonda in un passato gloriosissimo. Perdere del tutto questo significava danneggiare l'intera umanità. E' come togliere un piccolo pezzettino di Santa Croce, certo magari in mezzo a tanti fregi non te ne accorgi però in realtà hai sfregiato in maniera irreversibile un capolavoro.

• Salentino d’origine ma Artista del Mondo, quanto sente radicata la sua terra nel suo lavoro e cosa porta con sè in ogni dove?

RISP. Posso dire di essere soltanto un Apolide in Patria perchè sono napoletano di origine, poi ho compiuto i miei studi a Como, poi Milano. Mia moglie è di Gallipoli, i miei figli sono quindi salentini che sono un miscuglio di tante culture: un italiano tipico diciamo, di puro c'è veramente poco però questo miscuglio però mi ha aiutato perchè mi ha offerto un mix di possibilità a cui attingere, quella necessaria capacità per variare il punto di vista che deve essere proprio di ogni artista e a prescindere da quelle che sono a parte quelle di base, le certezze che possono procurare guai, quindi mi ha dato una grande duttilità e questo mi accompagna sempre insieme all'orgoglio di rappresentare qualce cosa di unico nel mondo che è la nostra tradizione, quello che noi siamo e che dall'estero è invidiatissimo. Ho insegnato molto all'estero e sempre senti su di te l'impegno, il dovere di rappresentare questa continuità, questo patrimonio non sia estinto e che tu lo incarni al meglio secondo le aspettativi di chi ti viene incontro.

• Cosa si aspetta o si augura da questa stagione lirica?

RISP. Io ho una formazione da produttore, quindi è una formazione un po' antica perché per me la cosa più importante è il riscontro del pubblico. Non faccio delle produzioni o delle opere per autogratificarmi, le faccio per gratificare gli altri, per renderli felice e fare in modo che prosegua quella che è un nostro grande patrimonio. Il teatro d'opera italiano è un teatro d'impresa, è un teatro che nasce per fare cassetta, quindi nasce per trovare il consenso del pubblico; un pubblico così intelligente che è riuscito nel tempo a fare una scrematura artistica, capire cosa valesse la pena far sopravvivere nei secoli e cosa no. La mia prima preoccupazione dopo il salvataggio della stagione è quella che il nostro pubblico sia felice, che partecipi numeroso, e questo stà già accadendo perchè abbiamo superato gli 800 abbonati è questo è un dato più unico che raro, è un segnale nei nostri confronti che il lavoro che è stato fatto è un lavoro positivo a prescindere. Sarebbe però sbagliato vedere quello che è successo come una sopravvivenza: questa è una ripartenza, stiamo ripartendo più forti di prima, con maggiore volontà, con grande determinazione, supportati da tutte quelle che sono le componenti della stagione lirica perché la stagione lirica è fatta da tante persone, oltre 200 persone che collaborano in maniera simmetrica e contigua e tutte hanno aderito anche, e questo va detto e ribadito con forza, al piano di grandi tagli, di grandi sacrifici economici che è stato posto. L'amore per la stagione è stato manifestato anche in questo modo

• L'atteggiamento del pubblico in questa situazione, invece di avere un atteggiamento remissivo è quindi migliorato, ha iniziato a lottare per la propria cultura per la propria arte?

RISP. Assolutamente. Il pubblico comprende che questo ulteriore sacrificio economico che gli viene chiesto, rappresenta la possibilità per i figli, per i nipoti, per chi verrà di avere qualcosa che continua e che non va perso. Noi italiano ogni tanto non ci rendiamo conto di vivere in u palazzo bellissimo che altri invidiano, lo trattiamo come se abitassimo in una catapecchia orrida e questa discrasia di atteggiamento nel luogo in cui viviamo non viene compresa: non si comprende come mai non riusciamo ad amarci quando siamo uno dei popoli più amabili del mondo.

• Parliamo ora alla programmazione: il Barbiere di Siviglia manca dal cartellone del teatro leccese dal 2002, anno in cui ad interpretare il ruolo di Figaro fu un giovane ma sfavillante Paolo Bordogna. Come mai ha pensato proprio ad un opera buffa per inaugurare la stagione lirica?

RISP. Ho cercato di fare una programmazione molto popolare e poi in questo spirito di ripartenza, volevo ripartire con un'opera buffa, un'opera spumeggiante, piena di vita di un autore che quando la scrisse era giovane anch'egli e anche lui in piena partenza che addiritturà sfido l'altro barbiere molto più famoso e vinse. Mi sembrava l'opera che incarnava al meglio la volontà di esserci, di andare avanti. Ho chiamato degli artisti che sono dei grandi amici oltre che ......CONTINUA

• Nabucco: l’ultima rappresentazione a Lecce risale alla 41a edizione della stagione lirica (2010) sotto la direzione artistica di Filippo  Zigante con il ruolo di Nabucco affidato a Carmelo Corrado Caruso e quello di Abigaille a Paoletta Marrocu. La “popolarità” di quest’opera, è evidente, ruota sempre più attorno al coro “Va, pensiero”, attraverso il quale gli schiavi ebrei lamentano la perdita della loro patria. Metaforicamente però sotto la disperazione degli Ebrei si celava il sentimento che animava gli Italiani nel 1842 per la “perdita” della loro patria, allora sotto il giogo della dominazione straniera. Un coro che attraverso il carattere “innodico” è sempre riuscito a creare un effetto incantatorio. Non a caso Rossini lo definì “aria per soprani, contralti, tenori e bassi”, cogliendo così il senso emotivo e musicale di quella massa corale che cantava un’unica linea melodica. Cosa rappresenta per Lei NABUCCO? Si cela qualche metafora di riscossa sociale in questo titolo oppure è semplicemente il carattere prettamente popolare che lo ha affascinato e quindi scelto?

• A chiudere il cerchio della 46a edizione della stagione lirica leccese è la terza G: Gioachino, Giuseppe e ora Giacomo... Giacomo Puccini con la sua Madama Butterfly, un’opera che ha visto i natali nel 1904 al teatro La Scala di Milano.  A quando risale l’ultima rappresentazione della Madama Butterfly al teatro Politeama Greco?

• Sappiamo che sarà una produzione proveniente dall’estero, ci può dire qualcosa in merito?

• Sono stati pubblicati i nomi del cast del Barbiere di Siviglia, ci può dare qualche anticipazione, se è concessa, per il cast delle prossime due opere in programma?

• Ci sarà anche una stagione lirica estiva?

ÀSPRO e il gioco dei contrasti

Tu viandante,
che decidi di visitare la Puglia, ti renderai conto di come sia lunga, estesa e di quante storie, usanze, costumi e ritmi diversi l'attraversino.

Chi conosce le lingue dialettali saprà di certo che esse galleggiano su frequenze diverse; seppur vicini i paesini hanno contaminazione inaspettate.
Capita così viaggiando da Lecce verso Calimera, Castrignano dei Greci, Martano, Corigliano d'Otranto o tanti altri paesi del caldo Salento, di imbattersi in una lingua del tutto nuova.
Non è un dialetto bensì una lingua a tutti gli effetti che nulla ha a che vedere con gli accenti e le inflessioni dialettali del salentino.
Chiedi in giro, cerchi di capire qualcosa e per la prima volta le orecchie percepiscono questa parola "Grìko".

Una lingua generata dalla fusione del salentino con il greco dovuto dalle numerosi contaminazioni e occupazioni del territorio.

Il Grìko è una lingua per pochi, occorre ascoltare i vecchi per sentire le vere cadenze, le vere parole che sgocciolano con imbarazzante semplicità dalla loro bocca e tu, viandante, faticherai molto a capire.
Alcune parole sono rimaste di derivazione tipicamente greca come "calimera" e "calispera" rispettivamente buongiorno e buonasera o ancora ampèglia” (vigne), “ancinarèa” (carciofo), “caridèa” (noce), “alògna” (aia) ecc. ... chissà quanti secoli ricordano.
Patrimonio culturale di queste aree sono i “traudia” (i canti) e i suoni che si ispirano alla mitologia e alla tradizione musicale dell’antica Grecia.

Per fortuna non tutto è portato a scemare e nei paesini della Grecìa Salentina da non molti anni si tenta di mantenere in vita questa lingua.

Spinta dalla medesima volontà di "raccontare" il passato: i suoni, i ritmi e i colori della Grecìa, la cantante calimerese Ninfa Giannuzzi e il musicista Valerio Daniele fondono le loro sensibilità musicali e danno vita ad ÀSPRO prodotto da desuonatori e edito da Kurumuny.

Àspro vuol dire "bianco": una purezza egregiamente sottolineata dalla grafica della copertina realizzata dal pittore Egidio Marullo.

Ascoltando Àspro però ci si rende conto che di puro, immacolato vi è ben poco. Nasce così il gioco dei contrasti.

Nove brani più uno "fantasma" affiancati da eccellenti musicisti come Giorgio Distante (tromba ed elettronica) e Vito De Lorenzi (tabla e tamburi a cornice) e dagli ospiti Rachele Andrioli (voce - Ndo ndo ndo), Oh Petroleum (voce - Ndo ndo ndo), Alessia Tondo (voce - Ta itela), William Greco (pianoforte), Giuseppe Spedicato (basso acustico), Emanuele Licci (bouzouki), Egidio Marullo (immagini), Franco Corlianò (consulenza sulla lingua grika).

Alcuni brani sono essenziali, minimalisti come se il musicista temesse di dissacrare con ricerche armoniche o strutturali la purezza della canzone, altri sono invece sulla soglia della contemporaneità sperimentale-elettronica sulla quale la canzone permane in sottofondo come un ricordo, un eco.
La semplicità melodica delle canzoni e l'interpretazione degli esecutori giocano in continuo uno scambio di affetti e di dialoghi.

Di particolare interesse è il timbro di Ninfa Giannuzzi, cantante che ha attraversato con la sua voce il punk, pop, etno, popolare e tutto ciò che comporta una ricerca del popolo nella voce.
Il suono generato da Ninfa rappresenta appieno il Salento, terra di argilla rossa e arida, di colori sgargianti, di Sole, di profumi,
 di mare e di onde, di vento e di odori; graffia, soffoca, spezza le frasi che seppur raccontano di rondini nel cielo o di amori perduti, riporta l'ascoltatore nella realtà di povertà e semplicità del tempo; nella sua voce riecheggia la fatica dei campi, la materia della terra.

Valerio Daniele artista dotato di un'elevata sensibilità musicale e poetica, ha il compito di arrangiare e di "ospitare" nelle sue ricerche sonore i compagni di viaggio che in modo del tutto personale e nel rispetto assoluto completano magnificamente un discorso musicale che se mal gestito potrebbe rasentare la banalità; eppure un sapiente gioco di effetti, suoni, armonie rendono Àspro una vera perla che identifica  il popolo della Grecìa Salentina: fatto di semplicità, di amara ma dignitosa sofferenza e di malinconica speranza.

Àspro è dunque il gioco dei contrasti ad iniziare dal titolo e proseguendo con il colore della copertina e la matericità dell'immagine, dalla purezza delle canzoni e dal graffio della voce, dalla matrice melodica semplice e dall'arrangiamento elettronico e di ricerca: un tuffo nel passato con un cuore nel presente.
Tutto convergente in un'unica direzione, il cuore della Grecìa.

Àremu, il videoclip realizzato dal pittore Egidio Marullo e Lucio Toma continuano e sottolineano il medesimo gioco. Àspro è un album che non può essere assolutamente ignorato.

Ci auguriamo che in futuro più artisti compiano il passo di scavare nelle proprie origini, nelle proprie terre e che con il sapiente sensibilità odierna possano proporre alle nuove generazioni la bellezza delle tradizioni.

S. Gubello

Spiritualità & Perversione: Thelonious Monk & Steve Lacy a confronto

Si è svolto lo scorso settembre 2014 presso il Conservatorio Nino Rota di Monopoli (Ba) un simpatico dualismo che collega le due icone del jazz: T. Monk e S. Lacy.

Un linguaggio parallelo il loro che il compositore/singer/voce sperimentale Stefano Luigi MANGIA ha curato per gli allievi dei corsi di jazz del medesimo istituto che in passato lo ha visto egli stesso studente.

Mangia ha sollevato così l'attenzione verso due figure note per gli studiosi o musicisti jazz ma non per tutti; impariamo a conoscerli.

Thelonious Monk (1917-1982) pianista/compositore ha subito per anni dalla società un quadro generale che lo descrive come: genio eccentrico, uomo mentalmente disturbato, dotato di una forte stranezza comportamentale, da un mutismo eccessivo e elevato egocentrismo, definito anche musicista primitivo e naïf, ha attirato a sé l'astio di molti critici e della stampa.... eppure approfondendo la sua figura conosciamo un musicista pienamente consapevole della propria arte, determinato a lottare senza compromessi per difendere la sua visione musicale; un individuo sensibile e spiritoso, che malgrado gli eccessi comportamentali conquistava immancabilmente la stima e la simpatia del prossimo; un uomo attentissimo alla realtà sociale, che nella musica vedeva anche il mezzo per affermare la possibilità di un mondo migliore. 

Noto per il suo singolare stile d'improvvisazione che ha nato i natali ad un nuovo modo di fare jazz che ispirerà le generazioni successive e per il consistente contributo al repertorio del jazz. 

Soprannominato il santone pazzo, Monk ha aperto le porta ad un fraseggio frastagliato e pieno di cluster, la diteggiatura ineducata, le armonie strane e ricercate hanno insegnato molto a tutti i musicisti che si interrogano sul concetto di libertà. Ciò che lascia Monk è soprattutto il virtuosismo ritmico fatto di ritardi, accenti spostati, l'uso magico dei silenzi. L'ascoltatore è continuamente "sorpreso" dall'evolversi dei suoni che non cadono mai nella staticità e prevedibilità. Monk ha saputo giocare con le note prendendosi gioco di esse: non si limitava ad improvvisare sugli accordi del tema di base ma ne reinventava la struttura armonica facendo appello al suo istinto primitivo generando dissonanze e giochi di note che si rincorrono e si urtano in una esemplare disinvoltura.

Steven Norman Lackritz noto come Steve Lacy (1934-2004) sassofonista jazz e compositore riconosciuto come uno dei più importanti interpreti del sax soprano. Ha lavorato a lungo nel jazz sperimentale e si dilettava nella libera improvvisazione pur mantenendo una riconoscibile linea melodica e ben strutturata.

Con T. Monk incise il primo album e per breve tempo suonò nella sua band; i  brani di Monk diventarono un elemento permanente del suo repertorio.

Affascinato da altri musicisti oltre a Monk, collaborò con grandi icone del jazz quali Charles Mingus, Duke Ellington e Herbie Nichols, a differenza di molti musicisti jazz ha suonato raramente canzoni popolari o di spettacolo. La caratteristica dei suoi brani è la semplicità del suo stile: una singola frase interrogativa, ripetuta più volte e la libera improvvisazione specie nel suo lavoro negli anni maturi. 

Affascinato dalle arti in generale e in particolare dalla poesia, collaborò con pittori e ballerini per progetti multimediali.

La prima visita che Lacy fece in Europa avvenne nel 1965, con una visita a Copenaghen nella compagnia di Kenny Drew; andò in Italia e formò un quartetto con l'italiano Enrico Rava ed i musicisti sudafricani Johnny Dyani ed Louis Moholo. Dopo  si trasferì a Parigi, dove ha vissuto fino agli ultimi due anni della sua vita. Divenne una figura molto rispettata nel panorama del jazz europeo, anche se è rimasto meno noto negli Stati Uniti.

Il nucleo delle attività di Lacy dagli anni '70 agli anni '90 è stato il suo sestetto: Irene Aebi (voce/violoncello), Steve Potts (sax soprano/alto), Bobby Few (piano), Jean-Jacques Avenel (basso), Oliver Johnson (batteria). A volte questo gruppo è stato ridimensionato ad un complesso di grandi dimensioni, a volte ridotto a un trio, a un quartetto, o anche un duo di due sassofoni. Tornato negli Stati Uniti nel 2002 si dedicò all'insegnamento.

Monk Vs Lacy, quali le similitudini e quali le perversioni?

Fondamentalmente i due protagonisti del nostro dialogo sono degli anticonformisti, la loro musica è libera: oltre le mode, oltre l'accademismo.. nella pura e semplice ricerca di se stessi, del loro silenzio e della loro voce. La spiritualità accomuna la loro natura riflessiva, il loro coraggio e la loro perversione racconta il presente, oltre tutto e oltre tutti.

Ci auguriamo che nascano altri Monk e altri Lacy che squarcino questo involucro di appiattimento culturale e personalità di massa che ci attorniano. 

Lodi a S.L. Mangia per aver sollevato l'attenzione verso questi emeriti geni del jazz.

S. Gubello

Biennale di Venezia 2014: un trionfo targato Sud

BIENNALE DI VENEZIA 2014

un trionfo targato Sud

Particolarmente significativa in questa cinquantottesima edizione della Biennale di Venezia sezione Musica è stata la partecipazione della Puglia i cui artisti hanno aperto (quasi) e chiuso un'edizione all'insegna della crisi.

Francesco D'Orazio, barese d'origine e leccese d'adozione, noto violinista dotato di altissima sensibilità artistica e capacità tecniche tanto da permettergli di passare dal repertorio classico a quello contemporaneo riscuotendo lusinghieri consensi della critica; proprio l'estrema poliedricità  ha giocato a suo favore permettendogli di imporsi come punto di riferimento nella musica contemporanea. Secondo violinista italiano dopo Salvatore Accardo a ricevere il premio Abbiati della critica italiana. Venerdì 3 ottobre (terzo appuntamento della Biennale) si è esibito presso il Teatro Malibran con l'orchestra del Teatro la Fenice in brani di Dusapin, Saarihao e Adams diretto dal M° Pascal Rophé.

Il 12 ottobre, chiude la sezione Musica della Biennale un inaspettato ma atteso trionfo per la prima rappresentazione assoluta dell'opera da camera "KATËR I RADËS. IL NAUFRAGIO" su libretto di Alessandro Leogrande, già scrittore del romanzo-reportage edito dalla Feltrinelli Ilnaufragio. L'opera commissionata dalla stessa Biennale Musica (contemporanea) diretta da Ivan Fedele, è scritta per sei musicisti, quattro voci e tre attori. Fedele al libretto, l'opera narra della clamorosa sciagura avvenuta in Italia nel lontano 1997 (di venerdì santo), quando una motovedetta albanese con a bordo circa 120 persone, soprattutto donne e bambini, venne speronata da una corvetta della Marina militare italiana. L'esito fu disastroso: 81 morti di cui trentuno avevano meno di 16 anni. Nacquero da quella vicenda numerose inchieste e un "ping pong" di accuse e responsabilità che terminò con il condannare la Marina militare italiana per aver intrapreso un "gioco" molto pericoloso con quella piccola imbarcazione.

Co-produzione dell'opera insieme alla Biennale di Venezia è stata una realtà leccese consolidata con oltre trent'anni di attività, i Koreja: cantieri teatrali di innovazione (da sempre coraggiosi nell'affrontare nuovi linguaggi e sperimentazioni di ogni tipo).

Al compositore Admir Shkurtaj l'arduo compito di scrivere per la prima volta un'opera così impervia per imponenza tematica e per il contesto in cui presentarla per la prima volta. Shkurtaj non si risparmia, impegnato com'è non solo in veste di compositore ma anche di musicista con la sua fisarmonica durante la rappresentazione è inoltre stato parte integrante nell'elaborazione dei versi recitati dagli attori, nella cura della dizione della parola in lingua albanese affidata (anche se solo nella prima parte) ai cantanti, nell'affiancare lo scrittore Leogrande durante la stesura stessa del libretto. Il maestro Shkurtaj ben conosce quei suoni, quelle urla, quel dolore di lontananza dalle proprie origini, quelle agitazioni sopportate da un'immensa dose di speranza in un terra straniera essendo stato lui stesso un naufrago nel 1991. La padronanza della scrittura, le innumerevoli infiltrazioni musicali, dall'etnico al jazz alla musica contemporanea alla musica di ricerca e a quella elettronica contribuiscono a generare un universo di suoni e di emozioni senza pari. Le impervie parti strumentali sono state affidate a musicisti di altissimo calibro come Pino Basile alle percussioni e cupa cupe (ideatore di un vero e proprio set formato da bidoni e tubi), Giorgio Distante alla tromba in Sib e live elettronics, Marco Ignoti al clarinetto basso e clarinetto in Sib, Jacopo Conoci al violoncello, Vanessa Sotgiu al pianoforte preparato e come detto, lo stesso compositore alla fisarmonica. Da ammirare il lodevole lavoro delle voci per estensioni, argutezza dei ruoli, difficoltà tecniche magistralmente superate, acrobatici incastri sonori, effetti tecnici-vocali e padronanza scenica, i protagonisti: Simona Gubello (soprano), Marzia Marzo (mezzosoprano), Alessia Tondo (voce etnica) e Stefano Luigi Mangia (voce sperimentale: uno dei pochi in Italia).

Afferrato anche il lavoro degli attori Emanuela Pisicchio, Anna Chiara Ingrosso e Fabio Zullino.

La direzione è affidata all'intelligenza di Pasquale Corrado, giovane ma ormai affermato direttore specializzato in musica contemporanea senza il quale sarebbe stato difficile se non impossibile portare a termine l'opera tant'è ardua.

L'azione scenica è portata avanti dallo stesso direttore artistico dei Koreja ovvero il regista Salvatore Tramacere che con pochi ma suggestivi gesti e immagini è riuscito a creare momenti di forte impatto emotivo. Tutto il lavoro scenico è sottolineato dalle minimaliste luci e scene di Michelangelo Campanale. La scelta di ricreare i bambini con dei fantocci di stoffa sfilacciata, un coro di albanesi in costume d'epoca che porge con infinita sofferenza e dignità un fiore sopra ogni corpicino abbandonato sull'imbarcazione ormai spoglia, una camicia, una sottana.. abiti grondanti di acqua che lentamente si innalzano verso un ipotetico cielo di pace, una giacchetta da bambina rossa color sangue che più di tutte sale in alto e ruba l'attenzione grazie anche ad un fascio di luce che man mano si affievolisce sino a raggiungere il buio lasciando l'osservatore incapace di respirare soffocato da un groppo alla gola. A chiudere il cerchio delle emozioni durante l'elevazione della giacchetta rossa, entrano in scena cinque coristi dei Vioninat e Lapardhase (i violini di Lapardhase) che con una struggente canzone intona in albanese i versi "esci e benedicili, digli di tornare ché solo tu, Madre, li ami".

A seguire l'opera da camera sono stati quindici minuti di canti a cappella dello stesso coro che come ormai fa da trent'anni, ripercorre con semplicità ma raffinatezza sonora le melodie della loro tradizione, incantando ancora per una volta il folto pubblico presente per l'ultimo "spettacolo" della Biennale Musica 2014.

Seguono quasi dieci minuti di scroscianti applausi da un pubblico quasi incredulo per aver assistito a tanta sofferenza rappresentata con semplice delicatezza e raffinata poesia.

RCP redazione

Selene Margiotta

10° Concorso Internazionale di Clarinetto "Saverio Mercadate"

10° CONCORSO INTERNAZIONALE DI CLARINETTO 

"SAVERIO MERCADANTE", NOCI (BA)

Ricca, articolata e piena di novità la 10a edizione del Concorso Internazionale di Clarinetto “Saverio Mercadante” che si è conclusa a Noci (Bari) il 21 ottobre. 

Un evento che sino ad oggi ha coinvolto ben 36 differenti nazionalità, oltre 450 giovani musicisti, 37 concertisti di fama internazionale in qualità di componenti della giuria e più di 50.000 euro di premi assegnati. La particolarità dell'evento è la stagione concertistica che affianca il concorso.

L’edizione 2014 è stata di prim'ordine, inaugurata il 9 ottobre nella splendida cornice della Chiesa Matrice di Noci ed ha visto protagonista l’Orchestra Sinfonica di Bari diretta da Marcello Rota e Antonio Tinelli in qualità di solista nell’esecuzione del Concerto op.74 n.2 di C.M. von Weber per clarinetto e orchestra. Il secondo appuntamento della “Rassegna dei Concerti”, progetto di promozione e diffusione della musica e del territorio in cui si svolge la manifestazione, ha coinvolto il 15 ottobre la Banda Musicale dell’XI Centro di Mobilitazione del Corpo Militare della Croce Rossa Italiana diretta dal S. Ten. Com. CRI M° Antonio Tinelli. Il 17 ottobre è stata la volta dell’evento clou della X edizione, il concerto “Clarinettissimo” in cui, per la prima volta nella storia del concorso, i cinque membri della giuria internazionale hanno occupato il palco del Chiostro delle Clarisse dando saggio della loro straordinaria qualità artistica con la collaborazione del noto pianista Giuliano Mazzoccante. 

The Jury

La giuria 2014 è stata presieduta da Patrick Messina (1° clarinetto solista dell’Orchestra Nazionale di Francia) e composta da Sergio Bosi (docente al Conservatorio di Pesaro), Luis Gomes (docente all’Università di Evora, Portogallo), Paolo De Gaspari (docente ospite all’Università di Birmingham, Inghilterra) e Antonio Tinelli (docente al Conservatorio di Matera). Altra novità di questa apprezzatissima e seguitissima edizione è stata l’esibizione del ClarinetEnsemble diretta da Carlo Maria Clemente, formato da giovani studenti di clarinetto dei Conservatori di Monopoli e Matera, in apertura del concerto del 18 ottobre del Duo D’Amore-De Vinco (flauto e pianoforte). Ultimo appuntamento in programma, la Serata di Premiazione dei vincitori del concorso alla presenza della giuria internazionale, dei sostenitori dell’evento e autorità istituzionali tra cui il Senatore della Repubblica Dott. Piero Liuzzi (membro della 7a commissione Cultura del Senato), il Dott. Domenico Nisi (Sindaco della Città di Noci), il Prof. Stanislao Morea (presidente del Consiglio Comunale di Noci) e l’Avv. Anna Martellotta e e il Rag. Fabrizio Notarnicola (consiglieri comunali di Noci). 
I protagonisti della serata sono stati i vincitori delle quattro categorie del concorso selezionati da candidati provenienti dall’Italia, Messico, Spagna, Portogallo, Austria, Turchia, Inghilterra, Romania e Russia. Nella categoria “Young Soloists”, giovani solisti sino a 15 anni, si sono piazzati al 1° posto l’austriaco Bence Bubreg, al 2° il portoghese Diogo Cary e al 3° posto la giovanissima Carla Gomez di soli 8 anni. 

Senior Soloist winner Edoardo De Cicco 

with left Antonio Tinelli (artistic director) and Domenico Nisi

Nei “Junior Soloists”, giovani solisti sino a 18 anni, hanno vinto il 1° premio lo straordinario talento portoghese Vitor Trindade, il 2° Alexander Escriva Grau (Spagna) e il 3° premio Lorenzo De Virgiliis (Italia). 
Nella categoria musica da camera si sono imposti il Trio Trindade-Erlich-Pires (violino, clarinetto e painoforte) vincendo il 1° premio, mentre il 3° è stato assegnato al Duo Aceto-Ciammaglichella (clarinetto e pianoforte). 
Per la prima volta in 10 anni di competizione, successo pieno per la scuola clarinettistica italiana che s’impone nella categoria dei “Solisti Senior”: 1° premio assegnato a Edoardo Di Cicco, 2° premio a Lorenzo Baldoni e 3° a Matteo Mastromarino. 
Complessivamente sono stati assegnati oltre 5.000 euro di premi grazie al sostegno di aziende quali la statunitense D’Addario Woodwind, Vandoren di Parigi, Pomarico Mouthpieces di Como, Bode srl di Milano, Gruppo Carige di Stanislao Morea di Noci, Riparcar di Giuseppe Guagnano di Noci e UnipolSai Agenzia di Fabrizio Notarnicola di Noci. 
L'evento è organizzato dalla Associazione Musico Culturale Aulos di Noci (Bari) in collaborazione con il Comune di Noci e il sostegno della Regione Puglia, P.O. FESR 2007-2013 Asse IV Azione 4.1.2, Provincia di Bari, Buffet-Crampon di Parigi, Ferrari Musica, Formiche di Puglia - Noci, Palladium Music di Turi (Bari) e Radio Classica Pugliese media partner. 
Questa decima edizione è stata patrocinata dal Senato della Repubblica.

RCP redazione

Selene Margiotta